За свою жизнь Рембрандт сделал около восьмидесяти автопортретов – картин, гравюр и рисунков. Ранний период творчества, сюжеты Ветхого и Нового завета, "Ночной дозор" как образ республиканской Голландии. Зрелый период творчества. "Святое семейство".
Творчество Рембрандта
1. Автопортреты
За свою жизнь Рембрандт сделал около восьмидесяти автопортретов - картин, гравюр и рисунков. Для него это была своего рода автобиография, даже если потом портреты продавались. Один из первых - «Автопортрет» из амстердамского Рейксмузеума, где растрепанный двадцатидвухлетний живописец всматривается в свое лицо, пытаясь с помощью светотени передать впервые пробудившееся осознание себя художником.
Рис. 1. "Автопортрет" около 1628 г.
На автопортрете 1629 года яркий луч высвечивает безбородое пытливое лицо, оттененное кружевным воротником. А вот автопортрет того же года, хранящийся в Гааге, более официален. На маленькой картине «Художник в своей мастерской» (1629 г.), которую долгое время приписывали Герриту Доу, нашему взору открывается лейденская мастерская Рембрандта, со столом, мольбертом, палитрой и ступкой для растирания красок. Себя художник изобразил непривычно далеко от картины, словно желая дать зрителю почувствовать, как он сам видит и понимает живопись.
В более зрелых портретах иной раз выражена душа художника, а иной раз тщательно выписан его наряд. «Автопортрет» 1640 года, картина необычайно изысканная и гармоничная, запечатлел тридцатичетырехлетнего Рембрандта, занявшего прочное положение в Амстердаме. Ориентирами для художника были тициановский «Портрет дворянина», ныне хранящийся в Лондоне, а в ту пору находившийся в коллекции друга Рембрандта португальского еврея Альфонсо Лопеса, и «Портрет Бальдассара Кастильоне» Рафаэля. В сближении с итальянскими мастерами чувствуется вызов со стороны Рембрандта, словно подчеркивающего непривычным нарядом XVI века свою духовную близость с великими предшественниками. Он пишет себя в костюмах, по обычаю своей мастерской, где хранились самые разнообразные наряды для моделей, перечисленные в инвентарных описях, - «Автопортрет» 1658 года из нью-йоркской коллекции Фрика. Но ему нравится также изображать себя в одежде амстердамского торговца с цепью, подвесками и меховой отделкой, или художника, осознающего свою роль и положение в обществе, как на «Автопортрете за мольбертом» (1660 г.) или на другом автопортрете с палитрой и кистями из лондонского Кенвуд-Хауса, - скромная одежда, на голове простой белый берет, волевое, умное выражение морщинистого лица. А взгляд властный, гордый и ставший очень усталым в последние годы, омраченные материальными невзгодами и семейными неурядицами.
Рис. 2. "Автопортрет" 1660 г.
Необычный кельнский «Автопортрет», написанный около 1665 года, выразительный и беспристрастный, показывает Рембрандта еще способным улыбаться. Последние же два автопортрета 1669 года, хранящиеся в Лондоне и Гааге, один -- со сложенными руками, другой -- в разноцветном тюрбане поверх длинных седых волос, передают горечь и разочарование человека, оттесненного на задний план своими же бывшими учениками, человека, в 1641 году слывшего «одним из самых выдающихся живописцев своего времени».
2. Ранний период творчества
Рембрандт начал свой путь В Лейдане - первые его самостоятельные работы относятся к середине 20-х годов; с 1632 года и до конца жизни Рембрандт работал в Амстердаме - главном художественном центре страны. Вторая половина 20-х и 30-е годы были временем поисков Рембрандтом своего пути и творческого метода.
Рембрандт изучает реальность, стремится овладеть ее разнообразными аспектами (о чем свидетельствуют его рисунки), но преимущественный его интерес вызывают индивидуальный человеческий характер и многообразие проявлений духовной жизни.
Внимание к внутренней жизни человека определяет своеобразие и первых сюжетных картин Рембрандта (Товий и его жена», 1625 - 1626, «Апостол Павел в темнице», 1627). Акцент на психологическом переживании события, которое Рембрандт хочет увидеть как бы глазами его участников, особенно ярко выражен в «Христе в Эммаусе» (ок. 1629). Художник показывает реакцию персонажей - волнение, испуг, потрясение. Но, как и в ранних автопортретах, эмоциональные аффекты еще однозначны и форсированы, позы и жесты слишком демонстративны.
В произведениях конца 20-х - начала 30-х годов уже выявляется роль света как средства усиления эмоциональной выразительности сцены. В «Апостоле Павле» освещение подчеркивает настроение героя. В «Христе в Эммаусе» противопоставление света и тени передает внезапность и силу охватившего апостолов чувства.
Историческая живопись стала наряду с портретом основной областью творчества Рембрандта. Сюжеты Ветхого и Нового завета позволяли придать содержанию произведения образную масштабность, а его смыслу - обобщающий характер. Обращение к религиозно-мифологической тематике не означало для Рембрандта отказа от жизненной правдивости изображения, - напротив, он ставит своей целью совместить реальное, земное, конкретное с тем возвышенным духом и общезначимым смыслом, который заключен в легенде.
При этом живописный стиль раннего периода противоречив. Рембрандту не всегда удается органически соединить возвышенность и достоверность, величественность чувств и грубоватую правду реальности. Так, в «Христе в Эммаусе» слишком резок контраст обыденности (простонародный облик персонажей и будничность антуража) и чудесного события.
Отвергая ходульную условность и идеализацию, Рембрандт дегероизирует персонажей религиозных и мифологических сказаний, но при всём этом чрезмерно акцентирует прозаизм натуры и низменность страстей («Свадьба Самсона», 1635 г.). С другой стороны, возвышенное еще идентифицируется для Рембрандта с внешней приподнятостью сцены, с ее патетикой и бурной динамикой, - в произведениях середины и второй половины 30-х годов не случайно сказывается воздействие итальянского и фламандского барокко («Жертвоприношение Авраама», 1634г; «Ослепление Самсона»).
Тяга Рембрандта к зрелищной пышности и драматическим коллизиям - так же как и его бравада, желание развенчать привычные художественные нормы и идеалы - была во многом связана со стремлением уйти от прозаизма и бюргерской ограниченности устоявшегося уклада буржуазного быта. Из мира повседневности его влечет в мир героики и фантастики. В 30-е годы он часто пишет себя и своих близких в «исторических» костюмах, в великолепных, фантастических одеяниях («Саския в виде Флоры», 1634 г; автопортреты из Пти Пале, из Берлина и Лувра, 1634 г.). Эти как их называют, воображаемые портреты словно воплощали некую мечту о прекрасном человеке, об образе, возвышенном над будничной реальностью.
В этот период Рембрандт не только ищет собственный идеал жизни и человека - он создает и произведения, которые предвещают его дальнейший путь. «Снятие с креста» (между 1633 и 1639 гг.) написано под воздействием знаменитой композиции Рубенса, но сюжет трактован Рембрандтом как камерная сцена: это дает возможность зрителю почувствовать как нечто лично к нему относящееся, лично к нему взывающее человеческую трагедию - гибель измученного страданиями Христа и горе его близких. Свет, прорезающий тьму, рождает ощущение напряженной тишины, накала чувств, величия драмы.
В 30-е годы Рембрандт был самым популярным живописцем Амстердама. К нему приходят успех, слава, материальное благополучие. В его мастерскую стекаются ученики.
Рембрандт исполняет в это время множество заказных портретов. Они написаны с большой пластической силой, великолепно передают сходство, схватывают характерное в облике, но своего пути в портретной живописи Рембрандт еще не нашел. И все же, быть может, не случайно, что Рембрандту, портретисту по складу дарования, именно в произведении этого жанра - групповом портрете корпорации амстердамских стрелков - удалось воплотить идеал героики, не впадая в крайности театральной патетики и гротескного заострения, добиться органического слияния поэтической приподнятости, окрашенной ноткой фантастики, и реальной жизненности («Ночной дозор», окончен в 1642 г.).
Замысел художника был необычен: к портретам восемнадцати заказчиков он добавил вымышленные персонажи и связал их сюжетным мотивом: выступлением роты, которая выходит из-под арки и переходит мост через канал. Фигуры и лица то скрадывает тень, то выхватывает яркий свет дня. В группе стрелков мы видим затесавшихся в нее прохожих, в том числе девочку в золотисто-желтом платье, подобно яркому огоньку, мелькающую в этой энергичной мужской толпе.
Соединение портретных изображений с безымянными фигурами, динамика композиции придали ей большую жизненную убедительность. Но своеобразие «Ночного дозора» заключается в том, что это не только групповой портрет, но и массовая сцена. Мотив движения, выступления стрелков, величественная архитектура фона, красочные разнообразные костюмы, контрасты света и тени, наконец, огромные размеры картины создают впечатление торжественного шествия, значительного общественного события. «Ночной дозор» стал монументальной композицией, где ясно звучит тема патриотического подъема, торжества гражданского духа. Рембрандт вновь утверждает ее тогда, когда гражданский пафос и демократические идеалы из голландской действительности и из голландского искусства. Картина «Ночной дозор» стала как бы образом республиканской Голландии, групповой портрет получил значение исторической картины.
Рис. 3. «Ночной дозор» 1642 г.
3. Зрелый период творчества
«Ночной дозор» завершает раннюю фазу в творческом развитии Рембрандта. С 40-х годов начинается период зрелости. В мировосприятии происходит перелом. Бурная динамика, патетика, зрелищность - все, что было связано с противоречивыми поисками большого образа, - уходят из его искусства. Определяются и постепенно складываются в законченную систему новые творческие принципы. Этот процесс завершается к 50-м годам, которые открывают последний этап деятельности Рембрандта.
В 40-е годы Рембрандт перерабатывает некоторые свои произведения, написанные в предшествующее десятилетие, - красноречивое свидетельство изменения художественных устремлений мастера. Первый вариант картины «Даная» был создан в 1636 году. Мифологический сюжет был подан в эффектном нарядном оформлении, но сама героиня поражала своей обыкновенностью. Фигура Данаи, написанной с конкретной модели, совершенно индивидуальна по своему физическому складу, ее формы и пропорции весьма далеки от идеальных норм красоты. Утверждение реалистического видения действительности в изображении обнаженного тела - той «сферы» художественного творчества, где очень долго господствовал классический идеал, - получило особенно яркий, программный характер
В 1646 - 1647 годах Рембрандт переписал центральную часть картины, включающую Данаю и служанку. Художника больше не удовлетворяла лишь «внешняя» жизненная правда - он стремился и к правде внутренней. Выражение лица, новый, найденный в этом варианте жест правой руки удивительно точно и проникновенно передавали эмоциональное состояние героини - волнение и радость, ожидание и надежду, нетерпение и призыв. В «правде натуры» Рембрандт сумел разглядеть душевную, нравственную красоту: Даная прекрасна искренностью и счастьем любви, которым словно светится ее облик. Чудесное, величественное становится равнозначным для Рембрандта одухотворенному переживанию.
Изменилась и его живописная манера. В нетронутых частях картины детально проработаны формы, тщательно переданы детали, фактура нейтральна, в колорите преобладают холодные тона; в центральной зоне - письмо широкое, свободное, а колорит выдержан в теплых золотистых и коричневатых тонах, излюбленных художником в зрелый период творчества. Усложнились функции света - он получает как бы самостоятельный, многозначный духовный смысл. В «Данае» мягкое сияние света начинает восприниматься как излучение человеческого чувства.
В искусстве Рембрандта поэзия и правда приходят к гармоническому единству. Раскрытие поэтического, возвышенного в реальном, обыденном и, с другой стороны, истолкование сюжета не как коллизии «событийной», а как коллизии психологической - в этом он находит теперь решение проблемы. Акцент переносится на внутреннее, духовное содержание образа или события.
Поэтичность, одухотворенность Рембрандт вносит в портретные характеристики («Человек с соколом», 1643 г; «Портрет Агаты Бас», 1641 г.). Отныне и автопортреты художника - уже не этюды экспрессии, а раскрытии внутреннего мира человека на различных этапах его жизненного пути, его духовной эволюции.
В легендах священного писания Рембрандт стремится найти близкое каждому человеческое «начало» - нравственное достоинство и красоту он видит в обычном человеке и в обычных явлениях жизни. Не случайно так привлекает Рембрандта в 40-х годах лирическая тема. Глубина чувств, нежность и интимная теплота отношений поэтизируют жизнь простых людей и дают ощущение ее моральной высоты («Святое семейство», 1646 г; «Товий и его жена» 1645 г.).
Но лиризм интерпретации и конкретность в передаче окружения не придают произведениям жанрового характера - внутренняя значительность выводит содержание картины за рамки частного эпизода.
«Зерном» эстетических замыслов Рембрандта становится воссоздание материальной и эмоциональной среды, окружающей человека, неразрывно связанной с его бытием, с его внутренним миром, среды, которая не в меньшей мере, чем сам образ, и наравне с ним выражает настроение и смысл сцены.
В «Святом семействе» (1645 г.) сцена погружена в прозрачный, пронизанный трепетным золотистым светом полумрак, в котором замирает, останавливается действие который словно впитывает в себя эмоциональные «голоса» картины. Оттенки чувств дают ощущение длительности переживания и вместе с тем как бы течения жизни во времени.
Так во второй половине 40-х годов утверждается проблематика творчества зрелого и позднего Рембрандта; тогда же формируется его новая живописная система. Светотень является первоосновной, созидающим элементом художественной структуры. Излучающий сияние и тепло свет становится материальным эквивалентом лирического чувства, - он определяет духовную атмосферу сцены, он - носитель ее этического смысла. Свет определяет и бытие цвета в картине, его выразительную силу. В «Святом семействе» ощущение тепла и нежности материнской любви «поддерживают» тлеющие в коричневатом сумраке красные тона. Свет, как бы рождающийся вместе с телесной формой, придает ей особую легкость, а пространство получает благодаря светотени глубину и воздушность. Фигуры сливаются в одно целое с пространством, которое воспринимается как эмоциональная среда, насыщенная чувствами и переживаниями человека.
Пластическая форма также получает особую духовность. Тело Вирсавии («Вирсавия», 1654 г.) Рембрандт пишет с такой силой и экспрессией, что оно кажется и удивительно живым, реальным и предельно выразительным, будто говорящим. Каждая форма, поворот, изгиб тела, его «дыхание» в той же мере, что и лицо, наклон головы, взгляд, выражают покорность и пассивность Вирсавии, задумавшейся над письмом Давида и над своей судьбой. Ее душевное состояние воссоздано так глубоко и полно, что вся жизнь Вирсавии словно проходит перед ее взором и перед взором зрителя.
4. Поздний период творчества
Последние десятилетия жизни художника - самый значительный этап в его искусстве. Сосредоточиваясь на проблемах духовного содержания, Рембрандт приходит к большим обобщениям философского и этического порядка. В области самой живописной формы он делает открытия смелые, далеко заглядывающие в будущее.
Для Рембрандта 50 - 60-х годов истолкование сюжета - это, по существу, раскрытие внутреннего мира человека, чье духовное богатство, нравственные коллизии, судьба получают общезначимый смысл. В этом плане можно говорить об исключительной близости тематической картины и портрета в творчестве позднего Рембрандта.
В портретах 50 - 60-х годов Рембрандт хочет передать многоплановость, многосторонность человеческого характера, но, прежде всего - сложность внутренней жизни человека, ее разнообразие и изменчивость, неуловимые оттенки сменяющих друг друга чувств и мыслей, показать их взаимопроникновение и в непрерывности, иначе говоря - во времени. В отличие от Хальса, запечатлевшего человека в определенный момент, как бы вырванный из временного потока, Рембрандт дает в портрете ощущение постепенного становления образа.
Рембрандт ценит в человеческой личности не столько ее рационально-гармоническую цельность, сколько глубину и тонкость только ей свойственных интеллектуальных и душевных реакций на окружающее. Но сила и значительность, с которой передан Рембрандтом духовный и душевный мир конкретной личности, заставляют видеть в индивидуальном образе общечеловеческие черты.
Ян Сикс (1654 г.) изображен в момент полной погруженности в себя: он остановился, замерла рука, натягивающая перчатку. В умном, выразительном лице Сикса, в его взгляде, не замечающем ничего вокруг, видна печаль и какая-то скрытая неудовлетворенность, проницательность и обостренная душевная чуткость.
Благородная красота цвета - сочетание серого камзола, черной шляпы, рыжеватых волос и красного плаща с золотыми галунами - созвучна созданному Рембрандтом образу. На всем облике Яна Сикса лежит печать духовного аристократизма, которая словно дает обоснование сложной гамме чувств, которые он сейчас испытывает. Большое внутреннее достоинство говорит о высоком личном самосознании личности.
Необыкновенно смело письмо Рембрандта, широкий свободный мазок, эскизная, «открытая» манера. Формы мягки, податливы, готовы реагировать на любой эмоциональный импульс и безупречно ясны, точны и определенны, - образ дается и в своей завершенности и в изменчивости внутренней жизни.
В портретах Рембрандта характер человека теряет свою статичность - одно воссозданное на полотне состояние складывается из различных переживаний и эмоциональных ощущений. В «Портрете Николаса Брейнинга» (1652 г.) чутко передан поток мыслей и сменяющих друг друга душевных движений. Трудно определить словами, что выражает его взгляд, едва тронувшая губы слабая, чуть усталая улыбка - душевную тонкость, доброту, мягкую снисходительность, насмешливость и притаившуюся в ней легкую грусть. Скольжение теней, игра световых бликов, подвижность и неопределенность контуров, движение самой красочной массы дают ощущение внутренней динамики, которую подчеркивает и композиция портрета, неустойчивость позы, поворот головы.
Портреты Рембрандта как бы вбирают в себя не только настоящее, но и прошлое человека - они становятся историей целой жизни, портретом-биографией. В таких произведениях, как «Портрет старушки» (1654 г.), «Портрет старика в красном» (1652 - 1654) или автопортрет Рембрандта из Венского музея (ок. 1655), отражен жизненный путь человека, опыт всех тревог, горестей и разочарований, трудных нравственных испытаний и побед над собой, - опыт, в котором герои портретов Рембрандта никогда не утрачивают душевной чистоты, но который одним прибавляет духовную силу и способность выстоять в жизненной борьбе, а других приводит к смирению, к скорбной и мудрой отрешенности.
Фактура и свет являются средствами психологической характеристики. Неровные слои краски, то ложащейся буграми или собирающейся в сгустки, то нанесенной легким слоем, дают впечатление кристаллизации, формирования образа на глазах зрителя. Свет, словно бы идущий изнутри, из глубины существа человека, воспринимается как эманация его духовной жизни - трагической печали старости, нежности и душевного тепла («Портрет Хендрикье Стоффельс», 1658 - 1659 гг.), поэтической чистоты юности («Портрет Титуса», ок. 1656).
По-новому, на психологической основе решен Рембрандтом и групповой портрет «Синдиков цеха сукноделов» (1662 г.). Композиция построена так, чтобы избежать монотонности ритма и добиться естественности в расположении фигур. Чрезвычайно тонко варьирует Рембрандт повороты, наклоны голов, жесты; сдержанные в своей внешней экспрессии, они с предельной ясностью передают различные оттенки внимания и сосредоточенности. Каждый характеризован художником точно и полно, при всём этом самыми скупыми средствами; это выразительные индивидуальные портреты и в то же время разнообразные человеческие типы. Но главное в произведении Рембрандта - это ощущение взаимопонимания персонажей, их духовного единения. Оно вытекает из психологической концентрации героев на общем, волнующем всех событии, поэтому композиция дает впечатление нерасторжимой внутренней связи изображенных людей.
«Синдики» Рембрандта - вершина и завершающее слово в искусстве голландского портрета.
Рис. 4. «Синдики цеха сукноделов». 1662 г.
Персонажи портретов Рембрандта неповторимы по складу натуры, по духовному облику, но Рембрандт как бы стремится понять каждого, «принять» его и сблизиться с ним, даже если этот человек многим чужд ему. Герард де Лэресс, с лицом, изуродованным сифилисом, жалкий и страдающий, выставляет напоказ свою самоуверенность и нарочитую, немного утрированную элегантность; он старается сохранить невозмутимость, но в умных и печальных глазах читается невысказанная боль («Портрет Г. де Лэресса», 1665 г.).
Глубоко проникающие в психологию моделей, портреты Рембрандта связаны каким-то внутренним родством: их объединяет присущая всем одухотворенность и эмоциональная насыщенность, но в первую очередь - то теплое участие художника, его благожелательность, как бы продиктованные острым чувством справедливости, накладывающие на его портретные образы печать особой гуманности и проникновенности. В каждом человеке Рембрандт умел найти нечто прекрасное, соответствующее его высокому моральному идеалу.
Искусство позднего Рембрандта исполнено огромной духовной значительности и философской глубины.
В основе тематических композиций в живописи конца 50-х и 60-х годов часто лежит нравственная коллизия. Человеческая жизнь понимается Рембрандтом как предопределенный судьбой трудный, полный испытаний путь, в котором человек должен следовать неким внутренним, моральным законам - законам справедливости, добра, сострадания.
Сюжет композиции «Ассур, Аман, и Эсфирь» (1660 г.) Ребрандт трактует как столкновение человеческих судеб. Еврейка Эсфирь, жена персидского царя Ассура, поведала царю о коварных планах его друга, визиря Амана, задумавшего погубить иудейский народ. Изображенные в нейтральном темном пространстве, персонажи картины внешне разъединены, отчуждены друг от друга - каждый замкнут в себе, поглощен своими раздумьями и душевными терзаниями, но их жизни связаны незримыми нитями, их дальнейшая судьба решается этой встречей. Идея и настроение картины прежде всего языком красочных и световых отношений: пылающими в коричневом сумраке оттенками красного цвета, пронизывающими его вспышками золотистого тона, сиянием парчовой мантии Эсфири и напоенным светом профилем ее лица.
Герои Рембрандта никогда не бывают характерами одноплановыми, и в этом - а не только в перипетиях судьбы - также кроется источник их нравственных страданий.
Картина «Отречение апостола Петра» (1660 г.) раскрывает драму человека, изменившего своим убеждениям. В лице апостола Петра, неожиданно высветленном в сумраке ночи пламенем свечи, которую держит служанка, - сложнейшая гамма терзающих его противоречивых чувств: страх и робкая мольба, раскаяние и стыд, сознание своей слабости и неискупимой вины. Их воплощает как бы зыбкая, неустойчивая пластика лица с его формами, то растворяющимися в свете, то получающими определенность.
Вместе с тем в осанке св. Петра, в величественном развороте фигуры, в ее масштабе, в сиянии белого, мерцающего золотистыми рефлексами плаща - самого большого и светлого пятна в картине - угадывается отзвук иных, благородных качеств его натуры, оказавшейся слабой в миг испытания, но самой своей способностью к столь сильным переживаниям, к трагическому душевному конфликту возвышающейся над своими врагами.
Одна из вершин искусства позднего Рембрандта - картина «Давид и Саул» (начало 1660-х годов), библейская легенда рассказывает о том, что царя Саула, сомневавшегося в прочности своего престола, мучили приступы жестокого гнева, доводившие его рассудок до помрачения. Только пение и игра на арфе мальчика Давида способны были облегчить его страдания; но в Давиде Саул подозревает своего преемника, и в облике маленького пастушка к царю как бы появляется его судьба.
Рембрандт изображает тот момент, когда Саул, слушая игру Давида, переживает огромное потрясение: утих его гнев, ослабла рука, держащая жезл, пологом занавеса он утирает слезы. В этот миг душевного переворота, внутреннего просветления обнажились самые сокровенные, тайные чувства Саула, в которых он, может быть, не признается и самому себе: страх, отчаяние и одиночество.
Художник смело, свободно накладывает на холст мазки краски, применяя при всём этом различные кисти, нож, даже втирая краску пальцем, - кажется, что мы присутствуем при самом акте творения, когда от художника к персонажам картины словно передается вдохновенность эмоционального порыва, эта переливающаяся, как драгоценные камни, красочная «лава» становится зримым воплощением стихии чувств, владеющей героями картины.
В сюжетах евангелии и Библии Рембрандт искал не только вечный смысл и обобщающие образы, но и тот драматизм, который заставляет человека раскрыться во всем противоречивом богатстве своей натуры, ту степень духовного напряжения, когда сила переживания обнажает в человеке его лучшие качества, когда проявляются его самые высокие душевные порывы. Духовный, этический идеал Рембрандта именно в нравственной драматической коллизии находит почву для своей реализации.
Этическая проблематика рембрандтовского искусства получила итоговое выражение в монументальной композиции «Блудный сын», написанной незадолго до смерти (1668 - 1669 гг.).
Сюжетом послужила евангельская притча о юноше, ушедшем из родительского дома, беспутно растратившем молодость и богатство, а потом в раскаянии вернувшемся под отчий кров. Все пространство картины погружено в полумрак, поглощающий немногочисленные детали фона и свидетелей события, чтобы сосредоточить внимание на фигурах отца и сына. Они образуют замкнутую группу: фигура юноши, оборванного и жалкого, прижавшегося к отцу в стыде и раскаянии, как бы охвачена силуэтом старика. Отец и сын словно слились в одно существо и стоят недвижные, во власти своих переживаний. Сочувственное, печальное молчание присутствующих заставляет отчетливее слышать внутренние голоса героев, их немой диалог. Руки отца - старца с добрым и мудрым лицом - опущены на плечи сына - он ласкает, ободряет, удерживает и прощает его. Но в этот час встречи и примирения они не испытывают радости и счастья - ни сын, ни отец не могут отрешиться от всего пережитого, и их прошлое находится сейчас с ними - скитания, нищета и унижения одного, горе и долгое скорбное ожидание другого.
В глубоко золотисто-коричневом тоне, господствующем в композиции, выделен как главный эмоциональный, драматический акцент красный плащ, накинутый на плечи отца. Он придает особую величавость фигуре старца, а бесчисленные оттенки, переливы, мерцания, вспышки и затухания красного цвета воспринимаются как отголоски его переживаний.
Захватывающая человечность и потрясающая мощь, с которой звучит в этой картине призыв к состраданию, великодушию и любви, с которой выражена в ней вера художника в их великую преображающую и возвышающую силу, делают «Блудного сына» вершиной «трагического гуманизма» Рембрандта.
Рис 5. «Возвращение блудного сына». 1668 - 1669 гг.
Конец 50-х и 60-е годы - время его величайших творческих свершений - были и годами тяжелых личных испытаний: Рембрандт разоряется, смерть уносит самых близких людей; он теряет приверженцев, ему изменяют ученики. Художник узнает горечь старости и одиночества. Но на своих автопортретах, написанных в эти годы, Рембрандт предстает как человек, до последних дней сохранивший достоинство и гордость, независимость и нравственную силу, которые давали ему счастье творчества, сознание правильности избранного пути и то величие духа, которое требуется, чтобы идти по нему до конца (автопортреты в собр. Фрик в Нью-Йорке, 1658 г; в Венском музее, 1652; в Национальных галереях Вашингтона и Лондона, 1659г., 1669 г.).
5. Графика
Рембрандт ставит в своем искусстве проблему этической ценности личности, нравственного смысла человеческой жизни. В русле этой проблематики идут его художественные искания в 50 - 60-е годы - как в живописи, так и в графике.
Графика - рисунок, гравюра - была совершенно самостоятельной областью творческой деятельности Рембрандта. Особенно много он работал в офорте - как офортист Рембрандт не знает себе равных в мировом искусстве. Он обогатил технику офорта новыми приемами, которые придали ей необычайную гибкость и безгранично расширили арсенал ее выразительных возможностей. Травление Рембрандт дополнял так называемой «сухой иглой, - то есть штрихами, проведенными прямо на поверхности печатной доски; по краям бороздок оставались частицы процарапанного металла, так называемые барбы, которые задерживали краску. Новшеством явилось также то, что он достигал различных живописных эффектов при самом процессе печатания - в зависимости от того, как он накладывал краску (только ли втирал ее в углубления или оставлял ее также на гладких частях доски и т.д.). В результате Рембрандт добился в офорте и особой остроты рисунка, и постепенности градаций освещения, и мягкости, расплывчатости линий, и богатства тональных контрастов. Иногда Рембрандт вносил изменения в уже готовую печатную доску - каждое из ее состояний, по существу являлось самостоятельным произведением.
Тематика офортов Рембрандта очень разнообразна - бытовые сцены (жанр к которому мастер не обращался в живописи), портреты, пейзажи, религиозные сюжеты. Каждая тема получает свое графическое решение. В пейзажах с предельным лаконизмом, используя лишь выразительность штриха и не заполненных частей бумаги, Рембрандт создает впечатление бескрайних просторов равнины, света, наполняющего пространство, вибрации воздушной атмосферы («Вид на Омваль», 1645г.; «Мостик Сикса», 1645г.; «Поместье взвешивателя золота», 1651 г.) В офорте «Три дерева» (1643 г.) пейзаж строится на контрасте масс света и тени. Борьба солнечных лучей с тучей, обрушившей на землю потоки воды, придает пейзажу героическую мощь.
Столь же монументален и широк по образному звучанию и другой знаменитый лист - многофигурная композиция «Христос исцеляет больных» (конец 40-х гг.). Каждый по-своему ожидает чуда исцеления - с верой, нетерпением, покорностью, с затаенным страхом или всепоглощающим желанием, опрокидывающим все сомнения. Эту тему надежды и страстного ожидания оттеняют недоверие и насмешки богачей и какая-то внутренняя робость самого Христа, - словно так же, как и бедный люд, как все страждущее человечество, собравшееся возле него, он ждет и надеется на чудо, которое должны сотворить его любовь и сострадание к ним.
В графике Рембрандта с особой непосредственностью выразились его демократизм, его сочувствие миру обездоленных.
Лучшие, наиболее совершенные офорты Рембрандт создал в 50-е годы (после 1660 г. он более не занимался гравюрой). В это время Рембрандт обращается главным образом к сюжетам Ветхого и Нового завета. Он воплощает в них свои размышления о тайне человеческой жизни и ее назначении, об этических проблемах бытия и его трагических конфликтах. По силе эмоционального выражения офорты 50-х годов не уступают его живописи, а порой и превосходят ее.
В «Слепом Товие» (1651 г.) легкие штрихи пронизывают пространство, растворяя границы предметов и фигур - все кажется наполненным трепетным скользящим светом, передающим тончайшие нюансы чувств отца, напряженно и взволнованно ожидающего прихода сына, все оттенки робкой, но неистребимой надежды, которая поддерживает жизнь одинокого и беспомощного старика, отгороженного от мира своей слепотой.
Рис. 6. «Слепой Товий». 1651 г.
В «Проповеди Христа» (ок.1656 г.) плетением штрихов, градациями светлого и темного показано сложное многоголосие различных настроений и эмоциональных реакций - сочувствие, презрение, равнодушие, непонимание, тупое высокомерие, снисходительность, человеческое участие.
В гравюре Рембрандт остается тем же неповторимым мастером светотени, причем как штрихи, так и градации света, жизнь света стали в офортах 50-х годов необыкновенно многообразными по своим функциям, по своей экспрессии. В так называемом «Фаусте» (ок. 1653 г.) два насыщенных, ярких световых пятна - голова алхимика и диск на фоне окна - становятся воплощением духовных способностей, творческого усилия, которое награждает человека откровением истины. В «Снятии с креста» (1654 г.) сгущение теней, вспышки и затухание света передают душевное состояние персонажей, трагизм события и его возвышенный смысл. В «Положении во гроб» (ок. 1659 г.) печальное и трепетное сияние света концентрирует в себе переживания всех участников сцены, драматическое безмолвие людей, связанных общностью страдания. В «Принесении во храм» (ок. 1658 г.) призрачное мерцание света во тьме рождает впечатление волнующего приобщения к тайне и напряженного, исполненного трагических предчувствий провидения будущего.
В офортах нашла отражение и одна из центральных тем творчества Рембрандта 50 - 60-х годов - одиночество человека и призыв к духовной близости людей. В офорте «Три креста» (первые три состояния - 1653 г., четвертое - 1660 г.) хаос пятен света и тени создает представление о массе людей, мечущихся у подножия распятия - в страхе и отчаянии. Льющийся с небес таинственный свет подчеркивает и тот мрак, в который смерть Христа погрузила землю, и прозрение людей, в трагизме случившегося нашедших путь друг к другу. В скорбном единении людей, которых пережитая драма вывела из своего замкнутого мира, в этом братстве страдания, быть может, и находит свое осмысление и оправдание гибель Христа, вознесенного над миром и толпой во тьму ночи и вечного одиночества.
1. «ВВЕДЕНИЕ в культурологию» под редакцией Е.В. Попова, Москва, 1995 г.
2. Гриненко Г.В. Хрестоматия по истории мировой культуры. Москва, 1998 г.
3. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. 2. Москва, 1990г.
4. История искусства зарубежных стран XVII - XVIII вв.: Учебник. Москва, 1988 г.
5. История искусства стран Западной Европы от Возрождения до XX века. Москва, 1988 г.
6. История эстетики. Памятники мировой эстетической мысли. Том 2. Москва, 1964 г.
7. Лазарев В.Н. Старые европейские мастера. Москва, 1974 г.
8. Ротенберг Е.И. Западноевропейская живопись XVII века. Москва, 1989 г.
9. Советский энциклопедический словарь. Москва, 1982 г.
|
Чтобы скачать работу бесплатно нужно вступить в нашу группу ВКонтакте . Просто кликните по кнопке ниже. Кстати, в нашей группе мы бесплатно помогаем с написанием учебных работ. Через несколько секунд после проверки подписки появится ссылка на продолжение загрузки работы.  |
|
| Бесплатная оценка | |
| Повысить оригинальность данной работы. Обход Антиплагиата. | |
|
РЕФ-Мастер
- уникальная программа для самостоятельного написания рефератов, курсовых, контрольных и дипломных работ. При помощи РЕФ-Мастера можно легко и быстро сделать оригинальный реферат, контрольную или курсовую на базе готовой работы - Творчество Рембрандта.
|
|
Искусство делает нашу жизнь интересней и прекрасней. Есть люди, которые останутся в памяти на долгие века, работа которых будет наследоваться все новыми поколениями.
Прочитав эту статью, вы станете ближе к пониманию наследия мирового искусства, которое оставил после себя великий мастер - художник Рембрандт ван Рейн.
Биография
Сегодня его называют мастером теней, а также человеком, который мог положить абсолютно любую эмоцию на полотно. Далее ознакомимся с тем жизненным путём, который ему пришлось пройти.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) родился в Нидерландах, в городе Лейдене. С юных лет его интересовала живопись, и с 13 лет он учился изобразительному искусству у Якоба ван Сваненбюрха, который являлся историческим живописцем.
После этого, известно, что Рембрандт в 17 лет учился у Питера Ластмана, приехав в Амстердам. Его учитель специализировался на библейских мотивах и мифологии.
Занялся своим делом
Уже к 21 году Рембрандт ван Рейн вместе со своим другом открыл мастерскую по рисованию и проводил регулярные наборы учеников и занятия по изобразительному искусству. Прошло буквально несколько лет, и он стал популярен среди окружающих как мастер своего дела.
Вместе со своим другом Ливенсом они уже в то время творили шедевры, и их заметил Константин Гюйгенс, который был секретарём у принца Оранского. Картину с Иудой тот назвал одним из лучших произведений искусства античности. Он сыграл большую роль в становлении художника, помогая наладить контакты с богатыми клиентами.
Новая жизнь в Амстердаме
К 1631 году Рембрандт ван Рейн уже полностью переехал жить в Амстердам. Жизнь в этом городе была полна заказов весомых клиентов, которые увидели в нём великого молодого художника. В это время его друг уехал учиться в Англию, где также старался добиться успеха под покровительством нового педагога.
Тем временем художник начинает увлекаться изображением лиц. Его интересует мимика каждого человека, он пытается экспериментировать с нарисованными головами людей. Рембрандт ван Рейн умел точно передать всё то, о чём говорили глаза человека, с которого он писал шедевр.
Именно портреты в то время принесли художнику коммерческий успех. Кроме этого, увлекался он и автопортретами. Можно найти множество его работ, где он изображал себя в воображаемых костюмах и одеяниях, интересных позах.
Время славы
Всеобщее признание в Амстердаме Рембрандт Харменс ван Рейн обрел после написания картины “Урок анатомии доктора Тульпа” в 1632 году, где он изобразил хирургов, которых доктор учил препарировать на примере трупа.
Если посмотреть на эту картину, то можно заметить ту тонкую грань, с помощью которой мастер изобразил выражение лица каждого из них. Это не просто лица людей, он сумел передать общую настороженную эмоцию целой группы учеников.
А то, как он изобразил тень в картине, поразило многих экспертов того времени. Они в один голос начинали говорить о том, что Рембрантд Харменс ван Рейн повзрослел вместе со своими картинами.
Можно сказать, что это время считается одним из самых благоприятных в жизни молодого художника. После брака с Саскией ван Эйленбюрх в 1634 году заказы посыпались на голову с такой скоростью, с которой он не успевал рисовать.
В первые годы жизни в новом городе более 50 картин успел написать молодой Рембрандт ван Рейн. Картины были особенные и яркие, про его творения не раз вспоминали писатели. К примеру, Йост ван ден Вондел, тогдашний известнейший поэт и драматург, отдал дань уважения автору в своих стихах о написанном им портрете Корнелиса Ансло.
На тот момент денег ему хватило, чтобы купить собственный особняк. Увлекаясь искусством и изучением работ классиков и других мастеров, он заполнял свой дом известными как произведениями современников, так и творениями античных времён.
Семейная жизнь
Сегодняшние художественные критики отмечают хорошие работы того времени, которые писал Рембрандт ван Рейн. Картины его жены Саскии в различной одежде и на разном фоне говорят о том, что мастер полностью созрел и начал создавать своё искусство на полотнах.
Было и горе - трое детей, которые появились у него во время брака, умерли в маленьком возрасте. Но в 1641 году у пары родился сын Титус, который был отдушиной молодых родителей. То бурное время отлично отпечаталось на картине художника “Блудный сын в таверне”.
Неприятное событие
Как и в ранние годы, воображение великого художника всегда подталкивало его на создание картин с определёнными библейскими сюжетами. Чего только стоит его картина “Жертвоприношение Авраама”, которую он написал в 1635 году! Так чётко переданы эмоции и настроение, начинаешь переживать, что стоит моргнуть, как сразу нож вонзится в плоть.
В современном искусстве такое чувство удаётся передать только фотографам, которые делают чёткий снимок в движении. Действительно, поражает его умение отобразить атмосферу ситуаций, обработанных воображением великого мастера.
Начало проблем
На смерти жены не закончились неудачи художника. Взгляды художника постепенно менялись. Постепенно пропадал тот молодой Рембрандт ван Рейн, творчество которого восхищало современников.
В 1642 году получил великолепное предложение написать портрет мушкетёров, который должен был быть размещён в новопостроенном здании Стрелкового общества. Это была одна из самых больших картин, которую когда-либо писал мастер - она достигала четырёх метров.
По видению заказчиков художник должен был создать обычный портрет солдат, который бы излучал силу и уверенность. К сожалению, художник Рембрандт ван Рейн выполнил задание по-своему.
Как видно на картине “Ночной дозор”, которая приведена ниже, его произведение трудно назвать портретом. На полотне изображена целая сцена подготовки стрелковой роты к внезапному походу.
Причём можно заметить, как застыло движение в картине. Это отдельный кадр из жизни солдат. Было много негодования от заказчиков по этому поводу. Некоторые мушкетёры были отодвинуты на задний план, а кто-то и вовсе был запечатлён в неловкой позе.
Кроме того, резкая игра света и тени, которую, пожалуй, никто бы не смог так ярко и смело изобразить на полотне, также не вызвала восхищения.
После этого Рембрандт ван Рейн, произведения которого ещё вчера считались одними из наилучших, стал становиться не интересным высокопоставленной публике. А это значило в то время, что и дорогие заказы делать у него никто не будет.
Теперь представьте себе человека, который жил всю жизнь на широкую ногу, а потом резко потерял источник доходов. Разве он сможет уже отказаться от привычной жизни?
Современность требовала детализации картин
От него постепенно уходят ученики. Видение Рембрандта постепенно становится не соответствующим моде того времени - новые веяния шли в сторону максимальной детализации. То есть если бы художник начал рисовать так, как он это делал в молодости, то на него был бы немалый спрос.
Но жизнь непредсказуема, так же, как и настоящая творческая личность. Его рука обретала твёрдость, ему нравилось играть с тенью, размывая чёткие грани объектов.
Невозможность хорошо зарабатывать сказалась на его финансовом положении. Учитывая то, что его покойная жена была дамой из богатой семьи, её приданое перешло полностью в его владения. И, не имея заработка, он просто его тратил, или “прожигал”, на свои нужды.
В завершение сороковых годов 17 века он сошёлся со своей служанкой Хендрикье. Её можно заметить на некоторых его картинах. В то время законы были строги по отношению к семейным узам, и его муза была осуждена судом, когда у них появилась на свет малышка Корнелия.
Трудно найти известные полотна этого периода жизни художника. Он постепенно отходил от много содержащих мотивов и сцен, которые писал в недалёком прошлом.
Но он, как творческий человек, проявлял себя и в других сферах. На тот момент он уже мастерски выполнял офорты. Ему понадобилось целых 7 лет, чтобы завершить шедевр под названием “Христос, исцеляющий больных”.
Он смог продать его за достаточно большие для того времени 100 гульденов. считается самым лучшим из тех, которые смог сотворить Рембрандт.
Закат Рембрандта
Пожилой художник всё чаще сталкивался с материальными проблемами. В 1656 он стал полным банкротом, передав всё своё наследство сыну. Жить стало не на что. Год спустя ему пришлось продать своё поместье. Вырученные деньги помогли ему перебраться на тихую окраину Амстердама. Он устроился в еврейском квартале.
Самым близким для него человеком во время его старости был сын. Но Рембрандту не повезло, ведь он дожил до его смерти. Больше выносить удары судьбы он не смог и через год также скончался.
Сегодняшний Рембрандт
Искусство никогда не умирает. Творцы живут в своих работах, в частности, художники всегда являются частью их полотен. Сущность человека передаётся в его стиле и мастерстве написания картин.
На сегодняшний день Рембрандт ван Рейн считается художником с большой буквы и признан всеми критиками. Его работы достаточно высоко ценятся. К примеру, в 2009 году на аукционе его картина “Поясной портрет неизвестного мужчины, стоящего подбоченясь”, написанная в 1658 году, была продана за рекордную цену - 41 миллион долларов США (в пересчёте по курсу того времени).
Также по достоинству оценена его картина “Портрет пожилой женщины”, которую в 2000 году удалось продать примерно за 32 млн дол. Это полотно язык даже не поворачивается назвать “картиной”. Оно похоже просто на большую фотографию - так сильно детализировать лицо мог только великий мастер.
Такие люди, как Рембрандт Харменс ван Рейн, действительно вдохновляют. И необязательно становиться именно художником, нужно просто делать то, что тебе нравится, и главное - от души.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Крупнейший представитель золотого века, художник, гравёр, великий мастер светотени – и все это в одном имени Рембрандт.
Родился Рембрандт 15 июля 1606 году в Лейдене. Этот великий голландский художник сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство.
Ж изнь
Он вырос в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритсзона ван Рейна. Помимо прочего в имуществе ванн Рейна было еще два дома, а также он получил значительное приданое от жены Корнелии Нелтье. Мать будущего художника была дочерью пекаря и разбиралась в кулинарии, Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.
В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но не любил точные науки, наибольший интерес проявлял к живописи. Понимая этот факт, его родители в 13 лет отдали Рембрандта учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху, который был католиком. Разнообразные по жанру и тематике произведения Рембрандта проникнуты идеями нравственности, духовной красоты и достоинства обычного человека, пониманием непостижимой сложности его внутреннего мира, многогранности его интеллектуального богатства, глубины его душевных переживаний. Про Якоба до нас дошло очень мало информации, по этому и историки и искусствоведы не могут точно сказать о влиянии Сваненберха на творческой манеры Рембрандта.
Потом в 1623 году он учился в Амстердаме у модного тогда живописца Питера Ластмана, после чего, вернувшись в Лейден, открыл в 1625 году совместно со своим земляком Яном Ливенсом собственную мастерскую.
Питера Ластман прошел стажировку в Италии и был специализирован на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Когда Рембрандт открыл мастерскую и начал набирать учеников, за короткое время он стал значительно известен. Если смотреть на первые работы художника, сразу можно понять, что стиль Ластмана – пристрастие к пестроте и мелочности исполнения, оказало огромное влияние на молодого художника. К примеру его работы «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории» (1626) и «Крещении евнуха» (1626), очень яркие, необычайно красочны, Рембрандт стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности
В 1628 году двадцатидвухлетний художник был признан «в высшей степени знаменитым» мастером, известным портретистом.
Картина «Иуда возвращает серебряники» (1629) – вызвала восторженный отзыв известного знатока живописи Константина Гюйгенса, секретаря штатгальтера Фредерика Хендрика Оранского: «…это дрожащее жалким трепетом тело - вот, что я предпочитаю хорошему вкусу всех времен».
Благодаря связям Константина Рембрандт вскоре обзаводится богатыми почитателями искусства: из-за посредничества Хейгенса принц Оранский заказывает у художника несколько религиозных работ, таких как «Христос перед Пилатом» (1636).
Настоящий успех к художнику приходит в Амстердаме. 8 июня 1633 года Рембрандт знакомится с дочерью богатого бюргера Саскией ван Эйленбюрх и завоевывает прочное положение в обществе. Большинство полотен художник написал, находясь в столице Нидерландов.
Амстердамом - шумным портовым и промышленным городом, в который стекались товары и диковинки со всего света, где люди богатели на торговых и банковских сделках, куда устремлялись в поисках пристанища изгои феодальной Европы и где благополучие зажиточных бюргеров соседствовало с удручающей нищетой, связывает прочные связи с художником.
Амстердамский период творчества Рембрандта начался с ошеломляющего успеха, который ему принес «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632, Гаага, Маурицхейс), изменивший традицию голландского группового портрета. Привычной демонстрации позирующих художнику людей общей профессии Рембрандт противопоставил драматургию вольно решенной сцены, участники которой - члены гильдии хирургов, внимающие своему коллеге, объединены интеллектуально и духовно активным включением в процесс научного исследования.
Рембрандт вдохновлен красотой своей возлюбленной, поэтому часто пишет ее портреты. Спустя три дня после свадьбы ван Рейн изобразил женщину серебряным карандашом в шляпе с широкими полями. Саския появлялась на картинах нидерландца в уютной домашней обстановке. Образ этой пухлощекой женщины появляется на многих полотнах, например, загадочная девочка на картине «Ночной дозор» сильно напоминает возлюбленную художника.
Тридцатые годы в жизни Рембрандта были периодом славы, богатства и семейного счастья. Он получал множество заказов, был окружен учениками, страстно увлекся коллекционированием произведений итальянских, фламандских и голландских живописцев, античной скульптуры, минералов, морских растений, старинного оружия, предметов восточного искусства; в работе над картинами экспонаты коллекции нередко служили художнику в качестве реквизита.
Произведения Рембрандта этого периода чрезвычайно разнообразны; они свидетельствуют о неустанном, подчас мучительном поиске художественного осмысления духовной и социальной сущности человека и природы и демонстрируют тенденции, которые неотступно, шаг за шагом подводят художника к конфликту с обществом.
В портретах «для себя» и автопортретах художник свободно экспериментирует с композицией и эффектами светотени, меняет тональность цветовой гаммы, облачает свои модели в фантастические или экзотические одежды, варьирует позы, жесты, аксессуары (“Флора”, 1634, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж).
В 1635 году написана знаменитая картина по библейскому сюжету «Жертвоприношение Авраама», которую по достоинству оценили в светском обществе.
В 1642 году ван Рейн получил заказ от Стрелкового общества на групповой портрет, чтобы украсить полотном новое здание. Картина ошибочно получила название «Ночной дозор». Она была запачкана сажей, и только в 17 веке исследователи пришли к выводу, что действие, разворачивающееся на полотне, происходит в дневное время.
Рембрандт досконально изобразил каждую деталь мушкетеров, находящихся в движении: будто бы в определенный момент остановилось время, когда ополченцы выходили из темного дворика, чтобы ван Рейн запечатлел их на полотне.
Заказчикам не понравилось, что нидерландский живописец отошел от канонов, которые развивались в 17 веке. Тогда групповые портреты были парадными, а участники изображались анфас без какой-либо статики.
По мнению ученых, эта картина и послужила поводом для банкротства художника в 1653 году, так как отпугнула потенциальных клиентов.
Трагические перемены в личной судьбе Рембрандта (смерть новорожденных детей, матери, в 1642 году - болезнь и смерть Саскии, оставившей ему девятимесячного сына Титуса), ухудшение материального положения из-за его упорного нежелания жертвовать свободой духа и творчества в угоду изменчивым вкусам бюргеров, обострили и обнажили исподволь зревший конфликт между художником и обществом.
Сведений о частной жизни Рембрандта в 1640-е гг. в документах сохранилось мало. Из учеников этого периода известен только Николас Мас из Дордрехта. Видимо, художник продолжал жить на широкую ногу, как прежде. Семейство покойной Саскии высказывало озабоченность тем, как он распорядился её приданым. Няня Титуса, Гертье Диркс, подала на него в суд за нарушение обещания жениться; ради улаживания этого инцидента художнику пришлось раскошелиться.
В конце 1640-х Рембрандт сошёлся со своей молодой служанкой Хендрикье Стоффелс, образ которой мелькает во многих портретных работах этого периода: («Флора» (1654), «Купающаяся женщина» (1654), «Хендрикье у окна» (1655)). Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство», когда в 1654 году у неё с художником родилась дочь Корнелия. В эти годы Рембрандт отходит от тем, имеющих грандиозное национальное либо общечеловеческое звучание.
Художник подолгу работает над гравированными портретами бургомистра Яна Сикса (1647) и других влиятельных бюргеров. Все известные ему приёмы и техники гравировки пошли в ход при изготовлении тщательно проработанного офорта «Христос, исцеляющий больных», более известного как «Лист в сто гульденов», - именно за такую огромную для 17-ого века цену он был однажды продан. Над этим офортом, поражающим тонкостью светотеневой игры, он работал семь лет, с 1643 по 1649 годы.
В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве. После распродажи в 1657-58 гг. дома и имущества (сохранился интересный каталог художественного собрания Рембрандта) художник перебрался на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл остаток жизни.
Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже.
Рембрандт Харменс ван Рейн умер в октябре 1669 году. Ему было 63 года. Он был стар, болен и нищ. Нотариусу не пришлось тратить много времени на составление описи имущества художника. Опись была краткой: “три поношенных фуфайки, восемь носовых платков, десять беретов, принадлежности для написания картин, одна Библия”.
К артины
Возвращение блудного сына
Знаменитая картина «Возвращение блудного сына», одна из последних работ Рембрандта. Она была написана в год его смерти, и стала вершиной проявления его таланта.
Это самое большое полотно Рембрандта на религиозную тему. Картина Рембрандта на сюжет новозаветной притчи о блудном сыне.
Притчу о блудном сыне мы встречаем в Евангелие от Луки. Она рассказывает о юноше, покинувшем отцовский дом и промотавшем наследство. В праздности, распутстве и пьянстве проводил он свои дни, пока не оказался на скотном дворе, где питался из одного корыта со свиньями. Находясь в отчаянном положении и полной нищете, юноша возвращается к отцу, готовый стать его последним рабом. Но вместо презрения он находит царский прием, вместо гнева – всепрощающую, глубокую и нежную отцовскую любовь.
1669 год. Рембрандт разыгрывает перед зрителем человеческую драму. Краски лежат на холсте густыми мазками. Они темные. Художнику неважны второстепенные персонажи, пусть их и не мало. Внимание вновь приковано к отцу и сыну. Старый, сгорбленный горем отец, обращен к зрителю лицом. В этом лице и боль, и усталые от выплаканных слез глаза, и счастье долгожданной встречи. Сын повёрнут к нам спиной. Он уткнулся по младенчески в царское одеяние отца. Мы не знаем, что выражает его лицо. Но растрескавшиеся пятки, голый череп бродяги, бедное одеяние говорят достаточно. Как и руки отца, сжимающие плечи юноши. Через спокойствие этих рук, прощающих и поддерживающих, Рембрандт уже в последний раз рассказывает миру вселенскую притчу о богатстве, страстях и пороках, раскаянии и прощении. «…встану, пойду к отцу моему и скажу ему: отче! я согрешил против неба и пред тобою и уже недостоин называться сыном твоим; прими меня в число наемников твоих. Встал и пошел к отцу своему. И когда он был еще далеко, увидел его отец его и сжалился; и, побежав, пал ему на шею и целовал его».
Помимо отца и сына на картине изображены ещё 4 персонажа. Это тёмные силуэты, которые с трудом различимы на тёмном фоне, но кто они такие - остаётся загадкой. Некоторые называли их «братьями и сёстрами» главного героя. Характерно, что Рембрандт избегает конфликта: в притче говорится о ревности послушного сына, а гармония картины ничем не нарушена.
Ван Гог очень точно сказал о Рембрандте: «Надо умереть несколько раз, дабы так рисовать… Рембрандт проникает в тайну так глубоко, что вещает о предметах, для которых нет слов ни в каком языке. Вот почему Рембрандта и называют: волшебником. И это не простое ремесло.”
Ночной дозор
Название, под которым традиционно известен групповой портрет Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга», написанный в 1642 году.
Полотно голландского мастера таит в себе множество «сюрпризов». Начнем с того, что привычное нам название картины не соответствует действительности: патруль, изображенный на ней, на самом деле вовсе не ночной, а самый что ни на есть дневной. Просто работу Рембрандта несколько раз покрывали лаком, из-за чего она сильно потемнела. Кроме того, почти 100 лет (с начала XVIII до начала XIX века) полотно украшало один из залов амстердамской ратуши, где висело прямо напротив камина, год за годом покрываясь копотью. Неудивительно, что уже к началу XIX века за картиной прочно утвердилось название «Ночной дозор»: к этому времени история ее создания была основательно забыта, и все были уверены, что мастер изобразил именно темное время суток. Только в 1947 году, во время реставрации в Рейксмузеуме Амстердама, где картина находится по сей день, выяснилось, что ее колорит несравненно светлее, чем принято было считать. Более того, короткие тени, отбрасываемые персонажами, свидетельствуют о том, что дело происходит между полуднем и двумя часами дня. Однако реставраторы не стали снимать все слои темного лака, боясь повредить краску, поэтому и сейчас «Ночной дозор» довольно сумеречен.
Настоящее название полотна - «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Вильхема ван Рейтенбурга». Это групповой портрет мушкетеров-ополченцев одного из районов Амстердама. С 1618 по 1648 год в Европе шла Тридцатилетняя война, и жители голландских городов брались за оружие, дабы защищать свои дома. Творение Рембрандта вместе с портретами других стрелковых рот должно было украсить главный зал в Кловенирсдолене - штабе городских стрелков. Но заказчики были разочарованы: у Рембрандта получился не монументальный парадный портрет, а жанровая картина, на которой они с трудом отыскивали собственные лица, зачастую наполовину закрытые другими персонажами. Еще бы! Ведь художник кроме 18 заказчиков (каждый из которых выложил за свой портрет около 100 золотых гульденов - весьма внушительную по тем временам сумму) втиснул на холст еще 16 человек! Кто они - неизвестно.
Музей – Амстердамский исторический музеи?
Три креста
Один из самых знаменитых офортов Рембрандта, имеет пять состояний. Подписано и датировано только третье, следовательно, остальные Рембрандт считал промежуточными. Пятое состояние – очень редкое, известно только пять экземпляров.
На офорте изображён драматичный момент смерти Христа на голгофском кресте, описанный в евангелиях. В этом офорте Рембрандт в небывалых до того масштабах использовал технику резца и «сухой иглы», что усилило контрастность изображения.
2 декабря 2008 года на аукционе Кристис этот офорт (IV состояние) был продан за 421250 фунтов стерлингов.
Снятие с креста
B 1814 году Александром I y императрицы Жозефины была пpиобретена принадлежавшая ей Мальмезонская гaлерея. Некоторые из картин происходили из известной Кассельской галереи, в том числе «Снятие c креста». Ранее эти полотна являлись собственностью госпожи де Рувер в Дельфте и вместе с другими картинами ее собрания были куплены ландграфом Гессен-Кассельским Лудвигом VII. B 1806 году его галерея была захвачена Наполеоном и подарена Жозефине.
Преемник ландграфа Гессен-Кассельского Лудвига VII, бывший союзник Александра I, предъявил в 1815 году императору требование o возврате захваченных Наполеоном картин. Это требовaние было решительно отвергнуто Александром I, уплатившим за картины деньги и всячески выказывавшим внимание Жозефине ее дочери Гортензии. B 1829 году y Гортензии, носившей в то время титул герцогини Сен-Лё, было куплено тридцать картин, происходивших из Мальмезонской галереи.
Темa «Снятие с креста» имела в европейском искусстве большую иконографическую традицию. Ее высшим достижением считалaсь aлтaрнaя картина Рубенса в антверпенском соборе, широко известная по гравюре Ворстермана.
Творческая мысль Рембрандта бродит где-то рядом с этой трaдицией, используя ее и в то же время постоянно выбирая иные пути. Необычные для предшествующего развития европейского искусства, они в высшей степени характерны для личной творческой манеры Рембрандта недаром « Снятие с креста» внешне так сильно напоминает «Неверие апостола Фомы ».
Рубенс изобразил возвышенную скорбь группы величественных и прекрасных людей o величественном и прекрасном герое; Рембрандт беспокойную массовyю ночную сценy. Многочисленные фигуры то отступают во тьму, то попадают в луч света, и кажется, что толпа движется, живет, горюя о распятом и жалея его мать. B облике людей нет ничего идеального, многие из них грубы, некрaсивы. Чувства их очень сильны, но это чyвства обыкновенных людей, не просветленные тем возвышенным катарсисом, который есть в картине Рубенсa.
Мертвый Христос такой же человек, как они; именно благодаря силе их горя его страдания и смерть приобретают особое значение. Ключом к содержанию картины служит, пожалуй, не столько Христос, сколько поддерживающий его и прижимающийся к нему щекой человек.
C художественной точки зрения дробная, беспокойная композиция уступает и знаменитой картине Рубенса, и некоторым работам самого Рембрандта, исполненным в те же годы. Например, менее значительное по своему содержанию «Неверие апостола Фомы» представляется внешне более гармоничными целостным. Однако в «Снятии с креста» отчетливее выступает присущее Рембрандту понимание библейско-евангельской тематики.
Работа молодого Рембрандта отличается от своего прототипа самыми основными чертами. Прежде всего она не создана ни формально, ни по существу как моленный алтарный образ. Ее кабинетный размер адресован не восприятию толпы, a индивидуальному переживанию. Это обращение к чувствам и сознанию одного человека, установление близкого душевного контакта со зрителем заставило художника создать совершенно новую систему художественных средств и приемов. Рембрандт увидел сцену евангельской легeнды как трагическое реальное событие, принципиально лишив его мистического и героического пафоса.
Стремясь к предельной искренности и правдивости изображения, Рембрандт показал около креста тесную толпу людей, потрясенных горем, ищущих родственного единства друг с другом перед лицом страшной смерти. Коричнево-оливковый тональный колорит объединил всю композицию, а световой поток выделил драматически резко главный его смысловой центр. Наибольшая глубина страдания воплощена в образе упавшей без чувств Богоматери c ее худым изможденным лицом труженицы. Вторая группа оплакивающих расположена на левом конце пространственной диагонали - женщины благоговейно стелют плащаницу, выполнял свой прямой долг по отношению к умершему. Поддерживаемое стариком поникшее тело Христа - воплощение измученной человеческой плоти - вызывает прежде всего чувство глубокого сострадания.
Еврейская невеста
Одна из последних и самых загадочных картин Рембрандта. Название ей дал в 1825 году амстердамский коллекционер Ван дер Хоп. Он ошибочно полагал, что на ней изображен отец, дарящий дочери-еврейке ожерелье на свадьбу. Возможно, это заказной портрет, но одежда персонажей явно похожа на старинную, библейскую, поэтому в качестве названия предлагались «Артаксеркс и Эсфирь», «Иаков и Рахиль», «Абрам и Сарра», «Вооз и Руфь».
Саския в образе Флоры
Картина работы Рембрандта, написанная в 1634 году, на которой, вероятно, изображена жена художника Саския ван Эйленбух в образе древнеиталийской богини цветов, расцвета, весны и полевых плодов Флоры.
В 1633 году Саския ван Эйленбюрх стала невестой Рембрандта ван Рейна. Очаровательный портрет юной Саскии в наряде Флоры является немым, но красноречивым свидетелем этой “поры весны и любви” гениального живописца.
Задумчивое, но, несомненно, счастливое лицо девушки вполне соответствует чувствам невесты. Она теперь не резвое дитя, беззаботно смотрящее на Божий мир. Перед ней серьезная задача: она избрала новый путь и многое-многое приходится ей передумать и перечувствовать, прежде чем она вступит во взрослую жизнь. Увитые цветами головной убор и жезл, безусловно, указывают на Флору, древнеримскую богиню весны. Наряд богини написан с удивительным мастерством, но подлинное величие таланта Рембрандта проявляется в выражении нежности, которое художник придал ее лицу.
Любимая жена внесла в одинокое жилище скромного художника свет счастья и сердечного довольства. Рембрандт любил наряжать Саскию в бархат, шелк и парчу, по обычаю того времени, осыпал бриллиантами и жемчугом, с любовью наблюдая, как выигрывает ее прелестное, молодое лицо от блестящего наряда
Музей – Государственный Эрмитаж
С тиль
Глубоко гуманистическое по своей сути и совершенное в своей неповторимой художественной форме творчество Рембрандта стало одной из вершин развития человеческой цивилизации. Разнообразные по жанру и тематике произведения Рембрандта проникнуты идеями нравственности, духовной красоты и достоинства обычного человека, пониманием непостижимой сложности его внутреннего мира, многогранности его интеллектуального богатства, глубины его душевных переживаний. Таящие в себе множество нераскрытых загадок, картины, рисунки и офорты этого замечательного художника покоряют проницательными психологическими характеристиками персонажей, философским приятием действительности, убедительной оправданностью неожиданных художественных решений. Его трактовка сюжетов из Библии, античных мифов, древних преданий и прошлого родной страны как реально осмысленных событий истории человека и общества, глубоко прочувствованных жизненных коллизий конкретных людей открыла путь свободной и многозначной интерпретации традиционных образов и тем.
Л юбовь Рембрандта
Знаменитая муза Рембрандта Саския была младшей дочерью бургомистра города Леуварден. Эта белокожая рыжая красавица выросла в большой и очень обеспеченной семье. Когда девице минуло 12 лет, мать семейства скончалась. Но девушка по-прежнему не знала ни в чем отказа, а когда подошло время, стала очень завидной невестой.
Знаковая встреча художника и юной особы состоялась в доме кузена девушки, художника Хендрике ван Эйленбурга, который к тому же был торговцем антиквариатом. Рембрандт буквально сражен девушкой: светящаяся нежная кожа, золотые волосы… Прибавьте к этому умение вести непринужденную беседу. Шутя, она предложила известному живописцу написать ее портрет. А тому только того и надо: Саския – идеальная модель для рембрандтовских сюжетов в темных и приглушенных тонах.
Рембрандт начинает писать портрет. Он встречается с Саскией не только на сеансах. Изменяя своему принципу, старается бывать на увеселительных прогулках и званых вечерах. Когда работа над портретом была закончена и частые встречи прекратились, Рембрандт понимает: вот та, на которой он хочет жениться. В 1633 году Саския ван Эйленбург стала невестой художника, а 22 июля 1634 года состоялась долгожданная свадьба.
Брак с Саскией открывает художнику путь в высшее общество. Отец-бургомистр оставил любимице колоссальное наследство: 40 000 флоринов. Даже на малую часть этой суммы можно было безбедно существовать долгие-долгие годы.
Счастливые и влюбленные супруги начали обустраивать общий дом. Скоро он стал напоминать музей. Стены украшали гравюры Микеланджело и полотна Рафаэля. Саския была на всё согласна, она очень любила мужа. А тот, в свою очередь, осыпал ее драгоценностями, оплачивал самые изысканные туалеты. И, разумеется, стремился запечатлеть любимый образ. Рембрандт, можно сказать, стал летописцем своей семейной жизни. В первые дни медового месяца супругов был написан знаменитый «Автопортрет с Саскией на коленях».
В 1635 году в семье родился первый сын, но прожил он очень недолго, и это стало для юной матери страшным ударом.
Она долго не хотела расставаться с телом сына, гнала от себя всех, не выпуская из рук мёртвого ребёнка. Несчастная мать ходила с ним по дому, баюкая и называя его всеми нежными именами, которыми она вместе с мужем называла Рембрантуса в первые счастливые дни.
Рембрандт сознавал, что за исключением часов, проводимых у мольберта, жить он может только около Саскии. Только с ней он чувствует себя человеком: любовь - источник жизни, а любит он одну Саскию, и никого больше.
После смерти Рембрантуса Саския ещё дважды теряла детей при рождении. Лишь четвёртый ребёнок, Титус, появившийся на свет в 1641 году, смог пережить трудные годы младенчества. Мальчик был назван этим именем в память покойной Тиции, сестры Саскии.
Однако постоянные роды оказали пагубное влияние на здоровье Саскии. Появление у художника чисто пейзажных изображений в конце 1630-х годов объясняют иногда тем, что в это время в связи с болезнью жены Рембрандт вместе с ней много бывал за городом. Портретов в 1640-х годах художник пишет сравнительно мало.
Саския ван Эйленбург скончалась в 1642 году. Ей было всего тридцать лет. В гробу она выглядела как живая…
В это время Рембрандт работал над знаменитым полотном «Ночной дозор».
Д ом-музей Рембрандта
Художественный музей на улице Йоденбреестраат в Еврейском квартале Амстердама. Музей открылся в 1911 году в доме, который Рембрандт приобрёл на пике славы в 1639 году и в котором проживал до своего банкротства в 1656 году.
За почти 20 лет жизни (с 1639 по 1658 год) на улице Йоденбрестрат Рембрандт успел создать множество прекрасных работ, прославиться, собрать уникальную коллекцию картин и редкостей со всего мира, обзавестись учениками, растратить состояние первой супруги, потерять основных заказчиков, наделать огромных долгов и пустить дом с молотка.
Рембрандту пришлось также распродать большую часть своей роскошной коллекции картин и антиквариата, включающих работы великих европейских художников, римские бюсты императоров, и даже японские боевые доспехи, а также переехать в более скромное жилище. Пережив обеих жён и даже собственного сына, Рембрандт умер в бедности и одиночестве.
Спустя два с половиной столетия, в 1911 году по приказу корлевы Вильгельмины дом был превращен в музей, который, в отличие, к примеру, от музея Ван Гога - это, прежде всего, не картинная галерея, а восстановленные апартаменты великого художника: огромная кухня на первом этаже, приёмная, спальня хозяина и спальня для гостей – на втором, самое большое помещение особняка – студия – на третьем, а на чердаке - мастерские его учеников.
Восстановить интереьер удалось с помощью описи имущества, составленной нотариусом при продаже всего имущества художника с аукциона, и рисунков самого художника, на которых он отобразил своё жилище.
Здесь можно увидеть его личные вещи, мебель 17 века и другие интересные экспонаты вроде красивейшего офортного станка или заморских редкостей.
В музее выставлены почти все гравюры великого Рембрандта - 250 из 280, великолепные автопортреты художника, рисунки, изображающие его родителей, жену и сына Титуса, чудесные виды Амстердама и его окрестностей.
Особого внимания требует даже музейный туалет: там можно увидеть рисунки Рембрандта на соответствующую тему: женщину, присевшую в кустах, и мужчину, стоящего в позе, характерной для этого заведения.
Рембрант Харменс ван Рейн (1606- 1669), нидерландский живописец.
Поступив в Лейденский университет в 1620 г., Рембрандт вскоре оставил его и стал учиться живописи. В 1625-1631 гг. он работал в родном городе. Основными в его творчестве раннего периода были картины на религиозные сюжеты, а также портреты.
1632 год оказался для Рембрандта счастливым. Он переехал в Амстердам и женился на богатой горожанке Саскии ван Эйленбург, а полотно «Урок анатомии доктора Тюлпа» принесло молодому живописцу всеобщее признание.
Для мастера началось самое благополучное в его жизни десятилетие. У него появилось множество учеников (школа Рембрандта). В этот период им написаны такие шедевры, как «Автопортрет с Саскией» (1635 г.) и «Даная» (1636 г.).
Чрезвычайно жизнерадостное искусство Рембрандта 30-х гг. сочетает в себе опыт мастеров Возрождения и барокко и новаторский подход к классическим сюжетам.
Период успехов внезапно завершился в 1642 г.: великолепная работа «Ночной дозор» - групповой портрет членов Стрелковой гильдии Амстердама - была отвергнута заказчиками, не оценившими новаций художника и подвергшими его резкой критике.
Рембрандт практически перестал получать заказы, его покинули почти все ученики. В том же году скончалась Саския.
С 40-х гг. Рембрандт отказался в творчестве от театральных эффектов, в его живописи усилилось мистическое, созерцательное начало. Нередко художник обращался к образу своей второй жены - Хендрикье Стоффельс.
Глубиной, спокойствием и эмоциональной насыщенностью отмечены картина «Святое семейство» (1645 г.), серия автопортретов, лучшие пейзажи. Но неудачи продолжали преследовать Рембрандта: в 1656 г. он был объявлен несостоятельным должником, имущество распродано с аукциона, а семья перебралась в скромный дом в еврейском квартале Амстердама.
Заказанное ратушей полотно «Заговор Юлия Цивилиса» (1661 г.) разделило судьбу «Ночного дозора». В 1663 г. художник похоронил жену и сына.
Несмотря на ухудшение зрения, Рембрандт продолжал писать картины. Своеобразным итогом его творчества стал холст «Возвращение блудного сына» (1668-1669 гг.).
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) - голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.
Биография Рембрандта ван Рейна
Рембрандт Харменс ван Рейн родился в голландском городе Лейден в 1606 году 15 июля. Отец Рембрандта был зажиточным мельником, мать – хорошо пекла, была дочерью пекаря. Фамилия «ван Рейн» означает дословно «с Рейна», то есть с реки Рейн, где у прадедов Рембрандта стояли мельницы. Из 10 детей в семье Рембрандт был самым младшим. Другие дети пошли по стопам родителей, а Рембрандт избрал другой путь – художественный, и получил образование в Латинской школе.
В возрасте 13 лет Рембрандт начал учиться рисовать, а также поступил в городской университет. Возраст тогда никого не смущал, главное в то время были знания на уровне. Многие ученые предполагают, что Рембрандт поступил в университет не для того, чтобы учиться, а чтобы получить отсрочку от армии.
Первым учителем Рембрандта был Якоб ван Сваненбюрх. В его мастерской будущий художник провел около трех лет, затем переехал в Амстердам на учебу к Питеру Ластману.
С 1625 по 1626 гг. Рембрандт вернулся в свой родной город, и завел знакомства с художниками, и некоторыми учениками Ластмана.
Все же после долгих раздумий Рембрандт решил, что карьеру художника надо делать в столице Голландии, и снова перебрался в Амстердам, и женился на богатой горожанке Саскии ван Эйленбург, а полотно «Урок анатомии доктора Тюлпа» принесло молодому живописцу всеобщее признание.
Творчество Рембрандта ван Рейна
Для мастера началось самое благополучное в его жизни десятилетие. У него появилось множество учеников (школа Рембрандта).
В этот период им написаны такие шедевры, как «Автопортрет с Саскией» (1635 г.) и «Даная» (1636 г.).
Чрезвычайно жизнерадостное искусство Рембрандта 30-х гг. сочетает в себе опыт мастеров Возрождения и барокко и новаторский подход к классическим сюжетам.
Период успехов внезапно завершился в 1642 г.: великолепная работа «Ночной дозор» - групповой портрет членов Стрелковой гильдии Амстердама - была отвергнута заказчиками, не оценившими новаций художника и подвергшими его резкой критике.
Рембрандт практически перестал получать заказы, его покинули почти все ученики. В том же году скончалась Саския.
С 40-х гг. Рембрандт отказался в творчестве от театральных эффектов, в его живописи усилилось мистическое, созерцательное начало. Нередко художник обращался к образу своей второй жены - Хендрикье Стоффельс.
Глубиной, спокойствием и эмоциональной насыщенностью отмечены картина «Святое семейство» (1645 г.), серия автопортретов, лучшие пейзажи. Но неудачи продолжали преследовать Рембрандта: в 1656 г. он был объявлен несостоятельным должником, имущество распродано с аукциона, а семья перебралась в скромный дом в еврейском квартале Амстердама.
Заказанное ратушей полотно «Заговор Юлия Цивилиса» (1661 г.) разделило судьбу «Ночного дозора». В 1663 г. художник похоронил жену и сына.
Несмотря на ухудшение зрения, Рембрандт продолжал писать картины. Своеобразным итогом его творчества стал холст «Возвращение блудного сына» (1668-1669 гг.).
Автопортреты Рембрандта запечатлели почти все этапы его жизни и стадии творческого пути. Они замечательны сами по себе, так как позволяют нам проследить развитие мастера, а также потому, что многие более поздние художники – от сэра Джошуа Рейнолдса до Марка Шагала – пробовали подражать примеру Рембрандта в надежде понять что-то о самих себе.
Картина Рембрандта «Портрет Якоба де Гейна III» занесена в Книгу рекордов Гиннеса как наиболее часто похищаемое произведение искусства в мире. Картина была украдена и найдена четыре раза. Ей даже дали прозвище «Рембрандт на вынос». Портрет хранится в Лондоне, в галерее Далвич.
Часть картин художника Рембрандта, в том числе известные «Даная», «Жертвоприношение Авраама» и «Немилость Амана», хранятся в Государственном Эрмитаже (Санкт-Петербург). В 1985 году душевнобольной плеснул на «Данаю» серную кислоту. Реставрация шла долгих 20 лет. Теперь «Данаю» можно увидеть лишь за толстым слоем защитного стекла.
«Исследовательский проект Рембрандт» — это группа ученых, анализирующих наследие великого художника. Проект работает с 1968 года.
До этого времени считалось, что кисти художника принадлежит 800 картин. Проект эту цифру опроверг: после тщательных исследований оказалось, что их всего около 350.
Остальные написаны учениками Рембранда, а также художниками, на которых повлиял Рембрандт. Например, знаменитый «Мужчина в золотом шлеме» из Берлинской картинной галереи, долгое время считавшийся работой мастера, оказался картиной другого неизвестного художника.
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: place-fact.com ,
Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес admin@сайт, мы и наши читатели будем вам очень благодарны.
